'Rat Film', 'Whose Streets?', 'The Cinema Traveler' blandt højdepunkter på DOC10 Film Festival

'Trudy, stykket var suppe, publikum, kunst.' - uddrag fra Jane Wagner ’s Søgen efter tegn på intelligent liv i universet

Oplyst af det projicerede lys fra et filmisk fatamorgana, glimter publikums øjne af ærefrygt og glæde. Deres udtryk tyder på, at billederne, der vælter ud på skærmen foran dem, bekræfter deres eksistens, samtidig med at de giver dem noget at drømme om og måske stræbe efter at blive. Det er disse øjeblikke, fanget i fotografier, der viser sig at være de mest uforglemmelige i Shirley Abraham og Amit Madheshiyas ' De biografrejsende ,” en af ​​ti dokumentarfilm, der modtager deres Chicago-premiere på den anden årlige DOC10 Film Festival, som løber fra torsdag den 30. marts til og med søndag den 2. april i Davis Theatre, 4614 N. Lincoln Ave. Sidste års indledende udgave af festivalen inkluderede Rokhsareh Ghaem Maghamis Sundance-prisvinder og Spirit Award-nominerede, 'Sonita', som fortsatte med at blive min yndlingsfilm i 2016 (og i øjeblikket er tilgængelig til streaming på Netflix). Dette års line-up, præsenteret af Chicago Media Project og programmeret af Anthony Kaufman, lover at være lige så stærk, begyndende med en åbningsaften double bill af Amanda Lipitz' 'Step', om en high school dansegruppe i Baltimore, og Steve Virgas 'Sweet Dillard,' en profil af Dillard Center for Performing Arts i Florida.



Til denne forhåndsvisning har jeg udvalgt yderligere otte film, der er værd at være opmærksomme på, begyndende med Cannes-prisvinderen 'The Cinema Traveller', en bittersød ode til Indiens sidste tilbageværende omrejsende biografer. Midt i kaoset af karnevalsattraktioner tilegner showmænd sig opmærksomhed fra folkemængderne ved at tilbyde film på deres modersmål. Utilsigtet slapstick opstår, når en mand hopper op på en smuldrende biograflastbil, og det profane kammeratskab mellem tryllekunstnerne bag kulisserne er morsomt. Alligevel er Abraham og Madheshiyas fremstilling af film som et stadig mere arkaisk medie nødt til at trække i hjertestrengene hos mange en cinefil. De skrantende projektorer ligner kroppe i forfald, og når man bliver hacket i stykker, efterlader det et foruroligende stød. Digitale projektorer bringer nyfundet klarhed til billederne, men de introducerer også en lang række nye problemer, såsom softwareopdateringer, der kræver en ofte ikke-eksisterende internetforbindelse.

De smukkeste scener i filmen centrerer sig om Prakash, en projektorspecialist, der taler veltalende om, hvordan menneskeliv afspejles i maskinernes struktur. Han opkaldte sin bemærkelsesværdige, selvfremstillede projektor efter sig selv, et passende valg, i betragtning af at hans navn betyder 'lys, der fordriver mørket.' Selv efter hans forretning ikke er mere, fortsætter Prakash med at finde nye måder at opfinde og skabe på, hvilket inkarnerer hans tro på, at fantasi er menneskehedens vigtigste værktøj. Mens det nysgerrige kamera betragter huletegninger og skulpturer, der er tusinder af år gamle, præsenterer det seerne for den ydmygende forestilling om, at biografen stadig er i sin vorden, og filmstrimler kun var dens første scene.

De biografrejsende ” vises klokken 16 lørdag den 1. april.

'Vi burde være et barometer for resten af ​​verden,' konstaterer en mand på Færøerne, et isoleret sted langt fra alle industrilande, der alligevel er blevet forurenet af vores arters kulbrændingsvaner. Det forringede miljø under vandet har gjort hvalkød, øboernes primære fødekilde, uegnet til at spise på grund af øgede niveauer af kviksølv. 'Skal vi sætte tradition før sundhed?' spørger en lokalradiovært. Det lyder som et ligegyldigt spørgsmål, men Mike Days ' Øerne og hvalerne ” dykker ned i kompleksiteten af ​​færøsk identitet, og hvordan den i høj grad er bygget på mytologi, der er videregivet gennem generationerne. Deres tro på hvalers medfødte 'godhed' er med til at give næring til deres kollektive benægtelse, ligesom dyrerettighedsaktivisters ret flippede ord, hvis korrekte, men forsimplede råd ('Vær vegetar!') får dem til at fremstå som kulturelle imperialister for de utilfredse øboere. . Ja, optagelserne af hvinende hvaler, der bliver stukket ihjel, er forfærdelige for en vestlig følsomhed, men det er også værd at bemærke, at meget få af os kødædere nogensinde skal dræbe vores egen mad for at overleve.

Der er ekko her af Peter Landesman 's undervurderede 'Hjernerystelse', en biopic af patologen, der opdagede, at USAs elskede fodboldsport er blevet for skadelig for mennesker at spille, hvilket resulterer i forskellige tilfælde af hjerneskade (også en bivirkning af forbrug af hvalkød). Men mens patologen ikke havde nogen bånd til sport, voksede whistlebloweren i Days film, Dr. Pal Weihe, op i kulturen og er godt klar over, hvor svært det vil være at få offentligheden til at omfavne fakta. En af filmens store fornøjelser er dens overdådigt hjemsøgte fotografering, især under natbilleder af landskabet, hvor månens refleksion i vandet ligner et oliemaleri. Der er også en melankolsk kulde over disse billeder, der formidler det indtrængende tusmørke af øboernes levebrød. Vi erfarer, at planktonets forsvinden har befriet havene for mad, som lundefuglene kan spise, og har beseglet deres skæbne for udryddelse inden for de næste to årtier. Shaul Schwarz og Christina Clusiaus 'Trophy', også screening på DOC10 i år, giver et andet perspektiv på jægernes ansvar over for deres truede bytte. Uanset hvor man står i spørgsmålene, er der ingen tvivl om, at forurening vil bringe enden på mange ting, inklusive os selv.

Øerne og hvalerne ” vises klokken 13.30 søndag den 2. april. Efterfulgt af en Q&A med Mike Day.

Tali Shemesh og Asaf Sudrys ' Døden i terminalen ” er den korteste film på dette års festival, der går på lidt over 50 minutter, men alligevel er den lige så potent som de andre udvalg. Åbningsmomenterne består af overvågningsbilleder ved en israelsk busterminal, hvor passagerer vandrer mod deres respektive destinationer, mens beroligende middelhavsmusik spiller i højttalerne. Pludselig bliver der affyret skud, og roen bryder ud i fuldstændig kaos. Hvad der i første omgang ser ud til at være en hyldest til modige sjæle, der hjalp ofre med et splitsekunds varsel (a la Keith Maitland 's ' Tårn ”) bliver til noget meget mørkere: en lovprisning for vores kollektive følelse af sikkerhed og de uskyldige liv, der har og vil gå tabt i balancen. Der er grafiske optagelser af den formodede terrorist, der bliver skudt og slået, mens han ligger i en pøl af sit eget blod. En fængselsbetjent forsvarer sin beslutning om at sparke den nedlagte mand i hovedet som en forebyggende handling for at forhindre ham i at detonere en usynlig bombe. Tidevandet begynder at vende, da Moshe Kochavi, en frivillig ved Kibbutz Samar, begynder at mistænke, at den døende mand muligvis ikke er en terrorist. Da scenen udvikler sig til en lynchning, hærger Kovachi volden og kalder mængden 'vilde'.

En anden tilskuer er enig med Kovachi, men vælger at tie. I interviews foretaget længe efter indrømmer manden, at han ville have talt op, hvis han havde været jøde, men som araber var han for bange. Et ildevarslende hjerteslag gennemsyrer soundtracket, da tragedien begynder at komme i et klarere lys, selvom den rejser flere spørgsmål. Shemesh og Sudry får effektivt publikum til at føle sig lige så desorienterede som folkene i terminalen, og de leverer aldrig nogen optagelser af den faktiske terrorist, mens de på et tidspunkt klipper til optagelser af en mand, der fører en pistol, der kunne have været forvekslet med den blodige mistænkte. . Men som den sidste sekvens af tilbagespolede optagelser illustrerer med ødelæggende klarhed, var manden, der mistede livet i hænderne på de andre terrorofre, simpelthen på det forkerte sted på det forkerte tidspunkt. Hvorvidt hans hudfarve spillede en faktor i misforståelsen er et primært emne for post-film diskussion.

Døden i terminalen ” vises klokken 21.15 lørdag den 1. april. Efterfulgt af en Q&A med Tali Shemesh og Asaf Sudry via Skype.

Sidste år bragte os Robert Greene 's ' Kate spiller Christine ', en fed hybrid af dokumentar og dramatisering, der fulgte skuespillerinden Kate Lyn Sheil da hun forberedte sig på et faux narrativt indslag, hvor hun spillede Christine Chubbuck, en nyhedsreporter, der begik selvmord i luften af ​​årsager, der stadig diskuteres. Greene konfronterer direkte den potentielt udnyttende karakter af et sådant projekt, og ender med, at Sheil tugter publikum for at ville se hende genopføre det øjeblik, hvor Chubbuck skød sig selv i hovedet.

I år bringer Netflix os Kitty Greens ' Casting JonBenet ', et oprindeligt forvirrende billede af lignende ambitioner. Selve titlen er misvisende, da den ikke rigtig viser unge piger, der prøver til rollen som JonBenet Ramsey, den seks-årige skønhedsdronning, hvis uopklarede mord i 1996 tog medierne med storm. Hvad det viser i stedet og i længden er auditions for rollerne af de forskellige nøglespillere i hendes liv og potentielle mistænkte i hendes død - primært hendes forældre, Patsy og John. Til at begynde med fandt jeg det mærkeligt, at ingen af ​​dem, der gik til audition, lignede hinanden, og næppe så ud til at være skuespillere. Greens afvisning af at inkludere et enkelt fotografi af den faktiske Ramsey-familie øger kun forvirringen. Det var cirka halvvejs i billedet, at filmens genialitet begyndte at gå op for mig.

'Skuespillerne' Green har udvalgt til at gå på audition for hendes falske fortælling er medlemmer af det samme Colorado-samfund, hvor familien Ramsey havde boet. Deres diskussion under auditionerne, filmet i standard 'talking head'-stil, får dem til ikke kun at analysere deres egne opfattelser af forbrydelsen, men også reflektere over den smerte, de personligt har været udsat for – fra myrdede søskende og alkoholiserede forældre til pædofile naboer. Nogle af dem fortæller endda øjeblikke, hvor de var bange for deres egen evne til raseri, såsom moderen stadig ramt af skyldfølelse over minder om, at hun skreg af sin lille søn for at have fejlet sin pottetræning.

Ved udelukkende at fokusere på disse bekendelser i stedet for at ty til arkivoptagelser, frustrerer Green på glimrende vis vores voyeuristiske perspektiver, mens den vender vores opmærksomhed indad og inviterer os til at undersøge, hvad vores tvangstanker siger om os selv. Dette er smukt udtrykt i filmens sidste øjeblikke, da adskillige personer med rollen som Patsy og John indtager det samme sæt og opfører de meget omtalte myter og teorier, der på nogle måder har defineret deres eget liv. Så dæmpes lyset, sættet tømmes, og en skuespillerinde, der uhyggeligt ligner JonBenet, bliver efterladt af sig selv og danser i mørket til 'There She Is, Miss America'. Der er hun i sandhed et objekt af renhed og uskyld, som Amerika elsker at fejre lige så meget, som det elsker at seksualisere og ødelægge. Hvem end den egentlige pige var, er dog fortabt for tiderne.

Casting JonBenet ” vises klokken 19 lørdag den 1. april. Efterfulgt af en Q&A med Kitty Green.

I betragtning af, at mange af dette års udvalg er lovprisninger i en eller anden form, synes det kun passende, at blandt dem ville være Vanessa Goulds ' Obit ,” en frisk-off-pressen beretning om afdelingen på New York Times viet til at dække liv, der for nylig er udløbet.

Jobbeskrivelsen lyder måske deprimerende på papiret, men disse journalister viser sig at være lige så livlige som mange af deres fag, hvis præstationer ofte fylder størstedelen af ​​ordtællingen. En række korte vignetter prøver tidligere forsøgspersoners usædvanlige liv, inklusive John Fairfax, den første låneroer, der krydsede havet, hvis obit skrevet af Margalit Fox blev anset for 'badass' af læserne. Gould følger den fuldstændige udvikling af en bestemt obit skrevet af Bruce Weber ( nu tidligere medlem af afdelingen ) om William P. Wilson, en rådgiver for præsident Kennedy, der udnyttede tv'ets magt under kandidatens første tv-debat med Nixon. Selvom Nixon uden tvivl kunne have vundet kampen om idéer, tabte han visuelt med seerne, med hans dårligt passende jakkesæt og sved-kagede ansigt i kontrast til hans modstanders filmstjernetiltrækning. Lige så spændende er Dan Slotniks rundvisning i New York Times 'lighus', der rummer utallige filer med fotos og forudskrevne bemærkninger til de berømtheder, politikere og bemærkelsesværdige personligheder, der stadig er blandt os. Han viser seeren et uvurderligt øjebliksbillede af en to-årig Pete Seeger der indkapslede hans liv på måder, som ingen ord nogensinde kunne.

Hvor afvekslende alt dette end er, bliver filmen endnu stærkere, når den fokuserer på selve journalistikkens detaljer – strukturen af ​​hver obit, perfektionen af ​​et lead, søgen efter små detaljer, der vil styrke fortællingen. Flere kaffepauser er essentielle for forfattere, når de bliver presset med daglige deadlines til at omfatte hele livet, nogle gange med kun 500 ord ('Jeg har ikke tid til at skrive det så kort!' protesterer en reporter frækt).

Selvom New York Times er en af ​​mange velrenommerede publikationer, der notorisk er blevet udelukket fra pressebriefinger i Det Hvide Hus på grund af deres påståede 'falske nyheder', denne film er et vidnesbyrd om den indsats, hver forfatter har gjort for at få deres fakta rigtige, og det nervepirrende potentiale for fejl, der får dem til at miste søvn. Udsmykningen af ​​familiemyter er en fare, de skal være opmærksomme på, når de nærmer sig ethvert emne, samtidig med at de undgår enhver form for 'kendetegnende sprog' i deres udskrivning af sandheden. Jobbets måske største udfordring er dets medfødte uforudsigelighed. Mens andre medarbejderskribenter kan strukturere deres arbejdstid mere forudsigeligt, sover Grim Reaper desværre aldrig. Tæppet kan trækkes ud under en forfatters tidsplan på ethvert givet tidspunkt, såsom i tilfælde af Michael Jackson 's pludselige død, hvilket giver journalister dyrebare få timer til at yde den afdøde legende retfærdighed med en konkurrenceevne, der er blevet intensiveret eksponentielt af internettet. Jo mere du elsker (og taber søvn over) at skrive, jo mere vil du garanteret elske denne film.

Obit ” vises klokken 16.00 søndag den 2. april. Efterfulgt af en Q&A med Vanessa Gould og Bruce Weber.

For en livlig obit i feature-længde skal du ikke lede længere end John Scheinfeld 's ' Jagter Trane 'en hyldest til den banebrydende jazzsaxofonist og komponist, John Coltrane . Selvom jazz stadig forveksles med at være djævelens musik, så Coltrane det som Guds musik. Ikke en Gud, der tilbedes af en bestemt tro, men en, der oversteg dem alle, meget ligesom elefanten, der blev fejlidentificeret af de blinde mænd. Coltrane fandt geniale måder at forene publikum på gennem kunstens kraft ved at udføre et dristig riff på 'My Favorite Things', der bragte Broadway-fans ind i jazzklubber.

Filmens titel, 'Chasing Trane', refererer til ordene fra en japansk fan, der blev #1 samler af Coltranes memorabilia. Men når han forsøger at beskrive, hvordan han havde det med Coltranes koncert i Japan – opført et år før musikerens død i en alder af 40 – bliver manden så rørt, at han blot udtaler: 'Der er ingen ord.' Faktisk bliver der aldrig hørt ord fra Coltrane selv under billedet. Denzel Washington læser passager af musikerens forfatterskab, som er en kærkommen tilføjelse, selvom Scheinfeld klogt lader sit emnes egen stemme formidles gennem sit tidløse kunstnerskab. Han 'talte politik' i sin musik, og ærede ofrene for baptistkirkens bombardement i 1963 med sin sang 'Alabama', mens han kanaliserede prædikanters jamren i sine kompositioner med det formål at hæve den åndelige bevidsthed hos sine lyttere.

Som man kunne forvente, svæver filmen, hver gang den dvæler på optagelser af Coltranes tour de force-soloer, især en der finder sted under optagelsen af Miles Davis ’ skelsættende album fra 1959, En slags blå . Venner, kolleger og hans børn deler historier om manden og hans forhold til mentorer som Thelonious Monk og Dizzy Gillespie, mens de citerer Charlie Parkers brug af 'dobbelttid' som den teknik, der ændrede hans karrieremål. Filmen mangler en vis kompleksitet med hensyn til dens skildring af Coltranes personlige liv. Vi får aldrig en fornemmelse af de kampe, som det tog for ham at overvinde sin vane, og heller ikke årsagerne til, at hans første ægteskab gik fra hinanden. Inddragelsen af Bill Clinton som et interviewobjekt giver mening, formoder jeg, i lyset af hans hang til saxofoner, men alligevel tjener hans tilstedeværelse som lidt af en distraktion.

På trods af disse skænderier er Scheinfelds film en konsekvent fryd for sanserne, begyndende med dens kosmiske åbning, der refererer til både ' Kontakt ” og “Close Encounters of the Third Kind” i sit udtryk for den metafysiske tekstur i Coltranes musik. Selv når hans sange blev skingre og forvirrende mod slutningen, nåede Coltrane altid ud efter noget større i sit arbejde, både filosofisk og kunstnerisk. Af alle de linjer, der er sagt om ham i filmen, kommer det bedste fra Dr. Cornel West: 'Hans musik er ikke et termometer, det er en termostat. Det afspejler ikke klimaet, det former det.'

Jagter Trane ” vises klokken 19.00 søndag den 2. april. Efterfulgt af en Q&A med den Grammy-vindende journalist og musikanmelder Neil Tesser, Chicago Jazz Philharmonics Orbert Davis og saxofonisten Geof Bradfield.

Jeg var i min søsters lejlighed i New York City den dag, hvor Ferguson, Missouri gik op i flammer. Datoen var den 24. november 2014, natten hvor en storjury nægtede at anklage en politibetjent, Darren Wilson, efter at han skød ti kugler ind i liget af en ubevæbnet sort teenager, Michael Brown , Jr. Jeg vil aldrig glemme udseendet af rå terror i nyhedsreporternes ansigter på fjernsynet, da den ene brand efter den anden brød ud langs byens skyline bag dem. Jeg vil heller ikke glemme at gå ned ad fortovet med min søster og se tusindvis af newyorkere blokere trafikken ved at sidde sammen i solidaritet med Ferguson-demonstranterne. Det mest afslappende øjeblik i Sabaah Folayan og Damon Davis' ' Hvems gader? ”, et blik på jorden på protesterne, der praktisk talt er sprængfyldt med brændende billeder, minder om den største scene i Michael Moore sin klassiker fra 1989, 'Roger & Me.' Det stillede General Motors CEO ved siden af Roger Smith 's recitation af Dickens' julesang med optagelser af en tidligere medarbejders familie, der bliver smidt ud af deres hjem lige i tide til ferien. I 'Whose Streets?' fremsætter Folayan og Davis en lige så kraftfuld erklæring ved at lade præsident Obamas dybt utilstrækkelige trøstende ord ('Der er en masse gode mennesker derude, der vil arbejde med disse spørgsmål'), spille ud over optagelser af blodbadet, der opsluger Fergusons gader, over hvilke der hænger et banner med teksten 'Seasons Greetings'. Blot måneder efter Spike Lee 's ' Gør det rigtige ” havde 25 års jubilæumsvisning på Ebertfest, var Lees film igen blevet til virkelighed. Politiets drab på Radio Raheem og den efterfølgende ødelæggelse af en pizzabutik af rasende borgere adskiller sig ikke fra mordet på Brown og afbrændingen af ​​en QuikTrip dagligvarebutik, som en demonstrant kalder 'en strategisk revolutionær handling.'

'Hvis gader?' er ikke at forveksle med Jason Pollocks 'Stranger Fruit', dokumentaren om Michael Brown, Jr., der for nylig havde premiere på SXSW og ansporede nye bølger af protester i Ferguson af afgraver tidligere usete optagelser tyder på, at Brown ikke begik et røveri før sin død. Folayan og Davis' film er ikke optaget af detaljerne i Browns mord, men af ​​bevægelsen af ​​ikke-voldelig modstand, som den inspirerede landsdækkende. Den deler temaerne fra tre Oscar-nominerede dokumentarfilm fra 2016: raseriet over et system, der stadig er bygget på slaveri (“ 13 ”), usikkerheden der driver hvide amerikanere til at skabe illusionen om ”en anden” (“ Jeg er ikke din neger ”) og politiets skævhed, der får lokalsamfund til at gøre oprør (“ O.J.: Made in America ”). Hvis disse film tilsammen fungerede som en lynafleder, så 'Whose Streets?' er samlingsråbet. Det er umuligt ikke at blive rystet af scene efter scene med politifolk i optøjer og K9-enheder, der konfronterer demonstranter med deres hænder løftet i vejret og kræver, at politiet ser dem i øjnene og anerkender deres menneskelighed. En mand skriger mod politiet, der marcherer ned ad hans gade, efter at de har skudt tåregas ind på hans forreste græsplæne. Midt i sådanne rædsler dukker heroiske ansigter op, inklusive Brittany Farrells, en sygeplejestuderende, der bringer sin unge datter til protester og er engageret i udfordrende ideer om normalitet. Hun legemliggør den ekstraordinært voldsomme ånd i en bevægelse, der blev lanceret af de amerikanere, der systematisk er blevet bragt til at føle, at deres liv ikke betyder noget. Det er den slags bevægelse, der kan ændre verden, og i betragtning af undersøgelsen af ​​justitsministeriet, der fik Ferguson-politichefen til at trække sig, har den allerede gjort det.

Hvems gader? ” vises klokken 18.45 fredag ​​den 31. marts. Efterfulgt af en Q&A med Sabaah Folayan og Damon Davis, samt Kofi Ademola fra Black Lives Matter Chicago, Luna White fra BYP100 og Charles Alexander Preston fra Church den 9.

Som afslutning på min DOC10 preview er et billede, der allerede har sikret sig en plads på min liste over årets bedste film. “ Rat Film ” markerer forfatter/instruktør/biograf/klipper Theo Anthonys forbløffende spillefilmsdebut, og selvom den foregår i Baltimore, kan den lige så godt finde sted i Ferguson. I åbningsscenerne til 'Whose Streets?' observerer en mand, hvordan byens værste skoler alle er indeholdt i de samme postnumre, hvilket mindsker chancerne for de unge, der bor der, for at blive læsefærdige.

Fortitelbilledet i 'Rat Film' er af det titulære væsen, der desperat forsøger at undslippe en skraldespand, da en fortæller fortæller os, at rotter kan hoppe 32 inches i luften, mens en Baltimore-skraldespand er 34 inches høj, bare høj nok til at holde gnaveren på sin plads. Fortællingen af ​​Maureen Jones formidler Baltimores iskolde ligegyldighed over for dets egne borgere beliggende i områder, der på et boligsikkerhedskort fra 1937 blev anset for at være høje økonomiske risici på grund af 'racehomogenitet' og en 'uønsket befolkning.' 80 år senere lider de samme kvarterer stadig af cyklisk forarmelse og lav forventet levetid. Når de ses på et satellitkort, har samfundene en slående lighed med en kæmpe rottelabyrint. Et af Anthonys mesterværker er en sekvens, hvor han skifter det computeriserede kort til en indstilling, der nærmer sig den fotografiske virkelighed i kvarteret. Folk kan pludselig skimtes på gaden, men deres ansigter er slørede sammen med forskellige livløse genstande, som computeren forveksler med et ansigt. Hver gang beskueren forsøger at trænge ind for at få et nærmere kig på bygningerne, går de fra hinanden, en passende metafor for, hvordan omverdenen forholder sig til disse samfund, og vælger at se dem i den anden satellit-indstilling, hvor de fremstår mere behageligt som abstrakte blokke .

Som kunstner efter sigende mentoreret af Werner Herzog , Anthony dyrker den slags uløselig nysgerrighed, skarpt øje for detaljer og knivskarp intelligens, der danner en fantastisk historiefortæller. Han finder uendeligt provokerende måder at sidestille Baltimores historie med fremkomsten af ​​rotter i byområder, som man mente var blevet placeret der af fjenden under Anden Verdenskrig for at sprede byllepest. Efter at en resolution fra 1911, der forbyder integration, med rette anses for at være forfatningsstridig, kortlægger Anthony, hvordan adskillelsen flyttede til den private sektor, hvilket fik sorte husejere og minoritetsejere til at blive tvunget ind i rottebefængte kvarterer.

En beslægtet ånd med Prakash i 'The Cinema Travellers' findes i Harold Edmond, en skadedyrsbekæmper, hvis utrættelige positivitet bringer tiltrængt glæde til hans kunder. 'Byen har ikke et rotteproblem, den har et menneskeproblem,' insisterer han, mens han bemærker, hvordan rotterne har en tendens til at blomstre i mindre uddannede områder bevæbnet med færre ressourcer og mindre håb. Dan Deacons partitur kommer øjeblikkeligt ind under publikums hud og indgyder atonal uro i billeder af bygader, der bogstaveligt talt kravler. Hver gang det ser ud til, at Anthony løber tør for ideer, opdager han endnu en utrolig historie, der synkroniserer upåklageligt med de overordnede temaer i hans mesterværk. Vi møder mænd, der kanaliserer deres frustration til jagtrotter, styrket af sportens spænding, mens de svinger med våben. Vi får en rundvisning i Frances Glessner Lees Nutshell Studies of Unexplained Deaths, hvor vi iscenesætter virkelige kriminalitetsscener i miniaturesæt, der minder om Thorne Rooms på Chicagos Art Institute. Og i et særligt upassende tilbageblik får vi at vide om etolog John B. Calhouns eksperimenter på rotter, som han udførte for at studere de katastrofale virkninger af overbelægning, hvilket førte til, at han opfandt udtrykket 'adfærdsvasken'. Laden, hvor disse eksperimenter fandt sted, kan nu lejes ud til særlige begivenheder, og deres glitrende sterile interiør mindede mig om Overlook Hotel. Det er kun et spørgsmål om tid, før blodet begynder at sive gennem dørene.

Rat Film vises klokken 21.15 fredag ​​den 31. marts. Efterfulgt af en Q&A med Theo Anthony.

Besøg den komplette festivalline-up og for at købe billetter officielle DOC10-side .